1482年是达·芬奇创作的鼎盛时期，应圣弗朗切斯科教堂的邀请，他来到米兰绘制祭坛画《岩间圣母》。这幅现藏于巴黎的作间花草逼真的描绘，证明他使用的烟雾状笔法已使其在传真写实和艺术加工方面达到了新的水平。画中既没有宝座，也没有建筑物的构架，而是出人意料地将人物置于风景如画的岩间洞穴之中，风景担当起重要角色。一方面是让岩壁倒映在清澈的水中，另一方面让各种各样的植物的叶子来装点它，仿佛是从雾蒙蒙的金色阳光中现出来的。花草、戏水、岩壁、钟乳石……圣母优雅而又温馨的形象就处在这样的氛围里，风景人物相融一体，画面里圣母居中，施洗约翰居左，而圣婴与天使居右，构成一个稳固的金字塔形。圣母摊开双臂，一手扶着圣约翰的肩，另一只手心向下，在圣婴上方摆出了一个意味深长的手势。低垂的目光正好洒在身上，圣婴身后的大天使正以手势彼此相应。整个画面和谐、生动。表达手法和构图方式却独具匠心，人物、背景的微妙刻画，烟雾状笔法的运用，在科学写实和艺术加工中达到一个新境界，标志着达芬奇盛期创作的开始。 
　　《蒙娜·丽莎》（Mona Lisa，1503—1506）似乎是世界上最为著名的绘画，曾经在几百年的时间里，激起后人无数的诗歌、绘画、雕塑和小说的创作。虽然，她也是一幅没有完成的作品，但画家确实为这幅画付出了特别的努力。它有了一种普遍意义，是“蒙娜丽莎”所有的，是达芬奇所有的，也是我们大家所共同拥有的人性特质的某种精微的东西。也许，这就是《蒙娜·丽莎》的魅力所在。非常明显，这幅画继承了希腊古典主义庄重、典雅、和富有理想化特质，但它又进一步突破了希腊古典艺术在人本特质上的局限，更进一步走向现实和内在。 
　　就像在《岩间圣母》一画中的一样，画家对岩石和流水流露出了无限浓厚的兴趣。值得注意的是，在这片风景里，画家引入了大气透视原理的描绘，并进一步创造出“晕染法”画法，用模糊性处理明暗之间的过渡，仿佛能让人看到画中的空气，加强了画面空间的深度感。达芬奇是伟大的艺术革新家，在构图法、明暗法、透视法和心理描写等发面回话问题都有着巨大贡献。达芬奇发展了阿尔贝蒂的线透视理论，把透视分成三种：线条透视、色彩透视、浓淡透视。在形体与背景的关系中，立体的造型要求光亮照在形体上，而背景是暗的，但是对达芬奇来说，这种关系要更加复杂：“当我们看到一个比环境暗的物体时，我们发现它离我们越远就越亮。相反，一个比环境亮的物体时，离我们越远就越暗。” 
　　在达·芬奇的艺术遗产中，他的《岩间圣母》、《最后的晚餐》和《蒙娜丽莎》等著名画作，都是以扎实的素描基本功作为基础，我们观察他大量的素描习作，这些素描和他的正式作品一样，同样达到了极高的水平，被誉为素描艺术的典范。其特点是：观察入微，线条刚柔相济，尤善于利用疏密程度不同的斜线，表现光影的微妙变化，他的每一件作品 都以素描作基础 。其艺术理论散见于他的 5000多件笔记和未完稿的《画论》中，也是文艺复兴时代理论研究的重大成果。 
　　达·芬奇独特的艺术语言是：运用明暗法创造平面形象的立体感。他曾说过：“绘画的最大奇迹，就是使平的画面呈现出凹凸感。”他使用圆球体受光变化的原理，首创明暗渐进法，即在形象上由明到暗的过渡是连续的，像烟雾一般，没有截然的分界。《蒙娜丽莎》是这种画法的典范之作。我们从他作《最后晚餐》的笔记中可以看出，他猎取基督形象的办法，就是从不同人选不同部分，再加以综合。所以素描的目的大抵是从自然收集最美或最有特征性的细部，作为原始素材，以备实践时再加以提炼，使艺术的美是现实美的集中。 
　　如果一幅画，给人的感觉仅仅是赏心悦目，那它算不上是美的，如果它能安慰人的精神，直达人心灵深处那它就是一幅完美的艺术品。艺术的目的不是为了满足人的眼睛，而是为了满足人的心灵。这就是达芬奇笔下的圣母之美。 
　　多才多艺的达芬奇带来了佛罗伦萨绘画艺术上的变革，他一概线描的或浮雕般的最求而转向一种更具绘画意识的描绘方式，从而划出了早期和盛期文艺复兴绘画艺术的分界线，他之所以能做到这一步变革是有其理论依据的，达芬奇的出现，改变了绘画艺术的历史进程，他带来的变革主要在于进一步地将人物形象和背景融为一体，使肖像成为环境的一部分，空间成为肖像的背景。在他的画面中，明暗结合微妙而富有韵律，轮廓线条柔和而更具空间感，人物形象和周遭环境统一和谐而有变化。在这一点上米开朗基罗与他形成了鲜明的对比，画家达芬奇达到了独创的朴实、明快与和谐。 
　　中世纪以来，西方艺术中大多都是宗教画，“文艺复兴”时期的画也是宗教画，还是画的圣母、耶稣等等，但是中世纪那时的画，画面上的人一个个神情呆滞、凄苦：圣母玛利亚是一脸愁容，耶稣总是在那受苦、受难的样子。而到了达芬奇，那画风突然一变，圣母玛利亚便成了一个非常漂亮的妇人，非常美丽、温柔，抱着耶稣，非常好玩的一个小孩。达芬奇的圣母像是独一无二的。在达芬奇笔下，文艺复兴中的意大利迎来了它的艺术巅峰。